Annie Leibovitz, Premio Príncipe de Asturias de Comunicación y Humanidades, 2013.

Annie Leibovitz, fotógrafa estadounidense (1940), hija de una instructora de danza moderna, es una de las más influyentes y notables artistas del siglo XX. Estudió fotografía por la noche y, por el día, pintura, convirtiéndose en la jefa del departamento de fotografía de los Rolling Stone en 1973, con tan solo 25 años; puesto que regentó durante una década. Investigó el trabajo con colores primarios  y poses sorprendentes. En sus trabajos para Vanity Fair y Vogue continuó ampliando temas, en ocasiones muy polémicos. Ganó el Premio Clio en 1987.

Ha sido galardonada con el Premio Príncipe de Asturias de Comunicación y Humanidades, 2013, por su trayectoria profesional, destacando en trabajos tan impactantes como ser  la última en fotografiar al ex Beatle, John Lennon,  horas antes de que en 1980, éste fuese asesinado de un disparo por Mark David Chapman en Nueva York; de retratar a YoKo  Ono, acostada junto a su marido Jhon Lennon, desnudo abrazándola; a personajes relevantes de la esfera internacional como la reina Isabel II de Inglaterra, Mijaíl Gorbachov, el cantante Sting y un larga lista de nombres importantes; por sus fotografías de la la guerra de Sarajevo, Ruanda y el Líbano. En un contexto en que la mujeres parecen tener un “techo de cristal”, ella logró ser la más valorada y la mejor pagada.

El Museo de Arte de Brooklin en 2005 hizo una retrospectiva de su obra, “Annie Leibovitz, vida de una fotógrafa, 1990-2005”. Su obra ha sido expuesta en Estados Unidos y numerosas ciudades europeas, Berlín, Paris, Londres y, en España, en la Sala Alcalá 31 de Madrid.

Considerada por la Biblioteca del Congreso de los Estados Unidos como una “Leyenda viva”, muchas  galerías en Estados Unidos han adquirido fotografías originales suyas.

El diario ABC, Natividad Pulido, comenta que  “Leibovitz también podría haber sido reconocida con el Principe  de Asturias de Ciencias Sociales  (su trabajo es todo un compendio de la sociología de las estrellas de la era moderna), el de Cooperación Internacional (ha colaborado en causas humanitarias),” irónicamente asienta que “el de los deportes: solo ella podía reunir en Madrid, de cañas y jugando al futbolín en el madrileño barrio de Malasaña, a tres magos del balón: Pelé, Maradona y Zidane,” En realidad no es ninguno de estos ya que se ha hecho público que se le otorga el premio de comunicación y Humanidades 2013, por ser una de las dinamizadoras del fotoperiodismo mundial y más respetadas.

http://www.vanityfair.com/contributors/annie-leibovitzhttp://alafoto.com/listing/thumbnails.php?album=2

Candelas San Antonio

Francesca Woodman (1958-1981)

Francesca Woodman. Polka Dots, Providence. Rhode Island. 1976. Gelatin silverprint, 13.3 x 13.3 cm. © George and Betty Woodman, courtesy George and Betty Woodman

Fotógrafa estadounidense, nació en Denver, Colorado, en 1958 en el seno de una familia de artistas plásticos. Su madre ceramista y su padre pintor, no han llegado a obtener la relevancia y reconocimiento internacional que ha conseguido el trabajo artístico de su hija con tan sólo cinco años de trabajo.

Se formó en la Escuela de Bellas Artes de Rhode Island en fotografía y video. Su obra está presente en las colecciones de los museos más importantes de Estados Unidos y recientemente el SFMOMA (Museo de Arte Moderno de San Francisco) le dedicó una retrospectiva que también se mostró en el Guggenheim de Nueva York en 2012.

Realizó su primera exposición en 1976 y antes de cumplir los veintitrés años se suicidó, saltando al vacío desde la terraza de un edificio de Nueva York. A juzgar por las palabras que dejó escritas antes de su muerte, concebía la vida como un camino a la inversa que, en vez de progresar iría borrando progresivamente sus logros de juventud: “Mi vida en este punto es como un sedimento muy viejo en una taza de café y preferiría morir joven dejando varias realizaciones…en vez de ir borrando atropelladamente todas estas cosas delicadas”.

Ha dejado 800 negativos en blanco y negro centrados obsesivamente en su propio cuerpo que fotografía una y otra vez en espacios vacíos, deshabitados y en los que se aprecia la huella que el tiempo ha ido dejando a su paso. Sus desnudos no son exhibicionistas nos hablan de la fragilidad humana, de la soledad, de la fugacidad del tiempo que rápidamente desmaterializa los cuerpos hasta convertirlos en fantasmas que pululan por espacios y estancias vacías.

Nos habla de la identidad, de la complejidad del yo, adoptando en sus autorretratos identidades diferentes, unas más corpóreas y reales, otras fantasmales. Aparece y desaparece, se muestra y se oculta en un juego visual que al contemplarlo hoy, unas veces nos parece estar viendo su espectro, como un fantasma aparecido desde el más allá, otras a una mujer de principios de siglo por su actitud  y vestimenta recatadas y otras tantas a una mujer muy contemporánea que reivindica su cuerpo mostrandolo valientemente en toda su desnudez.

Sus fotografías nos devuelven su imgen, congelada en una eterna juventud, la de un ser humano frágil que se muestra y se busca intentando encontrar la clave de su identidad y su razón de ser y existir.

Su obra, centrada en el cuerpo, nos recuerda a la de sus contemporáneas Ana Mendieta, también trágicamente fallecida, o Hannah Wike y a la de artistas posteriores como Cindy Sherman, Sarah Lucas, Nam Goldin o Karen Finley.

Fuente de la fotografía:
http://www.guggenheim.org/new-york/exhibitions/past/exhibit/4432
Fuentes de consulta: http://cultura.elpais.com/cultura/2012/03/29/actualidad/1333030202_055108.html
http://www.vanitatis.com/tendencias/2011/11/29/francesca-woodman-retratos-de-una-artista-suicida-16712

Asunción de Álvaro Benito

Guerrilla Girls. Alhondiga

Del 3 de octubre de 2013 al 6 de enero de 2014 el espacio cultural, Alhondiga (Bilbao) exhibe la exposición Guerilla Girls 1985-2013.

Se muestran todos los carteles y proyectos producidos, desde su fundación en 1985, por este grupo feminista y activista.
Guerrilla Girls son un colectivo anónimo de mujeres estadounidenses, cuyos miembros se ocultan bajo máscaras de gorila, para mantener el anonimato y adoptan nombres de mujeres artistas fallecidas.

Desde su creación su interés se ha centrado en poner de manifiesto cómo el sistema del arte sigue siendo, como el resto de estructuras económico-sociales, conservador y machista y lo hacen desde la propia ciencia del Estado, la estadística, aportando datos incuestionables al respecto.

Utilizan el lenguaje del diseño gráfico y la publicidad y deliberadamente no producen obras pictóricas o escultóricas. Todo su trabajo artístico se materializa en carteles, publicaciones y acciones que realizan a la puerta de las galerías, museos y otras instituciones culturales y sociales.

Consideran que el neoliberalismo no ha hecho mas que consolidar y perpetuar la concepción del arte que se forjó en el XIX, que clasifica a los artistas en función de la raza y el género.

Para este grupo los objetivos planteados por el feminismo en la década de los sesenta a los ochenta no se han conseguido y por tanto hay que continuar en la lucha. Para muestra unos ejemplos de lo que manifestaban en un cartel de 1988 y otro de 1989, de plena vigencia en la actualidad:
“Hasta que el feminismo no haya alcanzado sus objetivos no habrá postfeminismo”.

“¿Tienen que estar desnudas las mujeres para entrar en el Museo Metropolitano de Nueva York? Menos del 5 por ciento de los artistas expuestos en la secciones de arte moderno son mujeres, pero el 85 por ciento de los desnudos son femeninos”.

Desde este enclave os invitamos a conocer y profundizar más en la obra de las Guerrilla Girls y os ofrecemos el enlace con un video de la exposición:
http://www.eitb.com/es/videos/detalle/1496214/video-exposicion-guerrilla-girls-llegan-bilbao/
Fuente de la imagen y la información: http://www.alhondigabilbao.com/programacion/guerrilla-girls-exposicion-retrospectiva

Asunción de Álvaro Benito

La muestra de Jóvenes Pintores se abre al público

Durante el próximo mes Salamanca podrá conocer a sus artistas más «frescos». Hoy, el día 30 de octubre, La Salina presenta al público la nueva selección del certamen Jóvenes Pintores. Seis obras de las 20 seleccionadas son creaciones de artistas mujeres. Sin embargo, todos los premios llevan nombres masculinos.

El certamen Jóvenes Pintores se convoca cada año por la fundación «La Gaceta» y pretende ser una muestra de las corrientes artísticas más actuales. Así en un recorrido rápido por la sala el espectador puede conocer las novedades de la pintura salmantina. Y va a ser para él todo un descubrimiento.

La primera sorpresa para el espectador es la variedad de significados que ha adquirido actualmente la palabra «pintura». Pues la muestra reúne obras hechas con plásticos y maderas, con vidrio y vinilo y hasta con arena. Se ven incluso trabajos impresos sobre papel o lienzo. En esta compañía los pintores que pintan con pinturas y pinceles parecen auténticos vanguardistas.

Se suele decir que cada artista utiliza su propio lenguaje a la hora de pintar. No obstante, a la hora de poner títulos se ve más concordancia. La cantidad de títulos en inglés es tan elevada, que uno empieza a sentirse extranjero en una muestra de arte salmantina. ¿Cual es la razón de esta moda extraña? Puede que un título escrito en inglés parezca algo más «chulo», pero entre tanta chulería un «Sin título» de toda la vida resulta más sincero.

Así pues, el certamen Jóvenes Pintores resulta ser todo un descubrimiento. Quizá para salvar al espectador de tanta novedad, los artistas escogidos son casi todos los mismos que el año pasado.

Pero a nosotros nos interesan sobre todo las seis artistas que participan en la muestra: Liseth Rodriguez Figuera («Wating to escape»), Laura Ramis Moreno («Glitter»), Carolina Valls Juan («Arquitectura Efímera XXV»), Mabel Esteban García («Sin título»), Sara Oliver Gómez de la Vega («Magnifying glass II»), Laura Medina Solera («(Des)conectados»).

El estado de la cuestión

¿Qué mujeres exponen en los museos actualmente?

El Museo Picasso de Málaga muestra de octubre a mayo de 2014, la obra de Hilma Klint (1862-1944), artista sueca, pionera de la abstracción. Sus obras no obtuvieron ningún reconocimiento en su época y se expusieron veinte años despues de su muerte.
Ofrecemos algunos enlaces para quienes estén interesados en encontrar las claves de su obra.

http://museopicassomalaga.org/exposicion.cfm?id=102

El Centro José Guerrero de Granada presenta la exposición «Continuarración» de la artista vallisoletana Dora García (1965). Actualmente desarrolla su trabajo estre Bruselas y Amsterdam.
Estudió en la Facultad de Bellas Artes de Salamanca y en 1989 recibió una beca que le permitió cmpletar su formación en Amstyerdam. Fue la representante del Pabellón Español en la Bienal de Venecia en 2011 con «Lo inadecuado», proyecto con el que suustituyó la idea de exposición por la de ocupación e invitaba areflexionar sobre los movimientos contraculturales. TVE le dedicó un reportaje en el programa, Metópolis, el 11 de marzo de 2013.
Incluimos el enlace con el José Guerreo, un enclave que permitirá a quienes lo deseen profundizar más en su obra.

http://www.centroguerrero.org/

Las mujeres colombianas cobran la voz en el escenario

Con su fuerza expresiva incomparable, el arte es casi el mejor espejo de la historia de un pueblo. Cuando ya parece que las huelgas y los motines no tienen efecto, el pueblo toma la voz en el arte.

En Colombia el conflicto armado interno ha causado desplazamientos forzados de comunidades campesinas, indígenas y afro-descendientes, la violencia de las bandas criminales y el narcotráfico. En la actualidad Colombia es el país con mayor cantidad de desplazados internos en el mundo. La cruda realidad de estos desplazamientos se ve representada hoy en una obra de teatro, donde las víctimas del conflicto, sobre todo las mujeres, cobran la voz.

Los días 25 y 26 de octubre, el Teatro Jorge E. Gaitán en Bogotá abrirá su telón a colegios, universidades y público en general para mostrar la obra de Patricia Ariza titulada “Huellas, mi cuerpo es mi casa”.

Angie Katerine Amortegui, en la revista digital confidencialcolombia.com comenta:
«La representación artística se cuenta desde la voz de algunas de las víctimas, y los guiones se han basado en los testimonios de los desplazados. Olvido, destierro, miedo y desesperación, como factores inherentes al conflicto armado, se ven reflejados en las canciones, bailes y parlamentos de los actores de esta obra.

En total son 30 víctimas reales y 45 artistas (bailarines, cantantes y músicos), que se reúnen en el escenario para mostrar el drama que soportan familias completas a causa del desplazamiento forzado, familias que también son sometidas al olvido por su propio pueblo. Esta obra, que sin reparo alguno fomenta la paz, es un aporte para la construcción del tejido social y para la memoria de los colombianos. »

Resulta imposible hacer una valoración de la obra en cuanto a su calidad artística, pues de momento no se realizó más de dos funciones, ambas en Bogotá. Pero esta creación merece, creo, una mención en este blog. Se trata de un ejemplo de cómo el arte es capaz de reflejar la situación que vive el pueblo de un país y de dar la voz a los más reprimidos.

«‘Huellas, mi cuerpo es mi casa’, un aporte indiscutible a la paz de Colombia desde la voz de las víctimas hecha arte, hecha canto y hecha imagen, más que un evento o un espectáculo es un acontecimiento liberador y transformador en la percepción de los espectadores, para que estos puedan llegar a tener la dimensión de este drama hecho canto y palabra.» (fuente: hsbnoticias.com)

Vídeo de la página de la Secretaría de cultura, recreación y deporte de Colombia.

Arina Shorokhova

Arte y Política

¿Qué entendemos por política?

Entendemos por política la defensa activa, cada una desde su ámbito más cercano, de todo lo que afecta al ser humano como sujeto de derechos inalienables. Nos referimos los derechos humanos que, desde la Declaración Universal, todas las sociedades democráticas reconocen en teoría, y obvian constantemente en la práctica. Hoy día consideramos que defender unos derechos universales para todas y todos, sigue siendo revolucionario e incómodo. Obviamente nos distanciamos de quienes piensan o defienden que la política es algo reservado exclusivamente a “los políticos” y no algo que concierne a todos los ciudadanos. Vivir y actuar siempre conlleva un compromiso político.

Todos los partidos políticos de las sociedades occidentales han asumido un discurso “políticamente correcto” que transmiten y propagan por los medios de comunicación que controlan, pero es un discurso hueco. A nada que rasquemos, encontramos las fisuras de ese discurso y nos topamos con la cruda realidad: la indefensión de los más débiles, la explotación sistemática de los trabajadores en todas las latitudes, la desaparición de las políticas sociales que durante un, muy breve lapso de tiempo, nos mantenían esperanzados, pensando que caminábamos hacia un mundo más justo e igualitario. Esperanza que se está esfumando como el humo.

La constante explotación de los recursos naturales convertidos en mercancía y que están generando unas consecuencias, quizá irreversibles en el Planeta. La concepción de la cultura como mera mercancía, apartándola de su ser esencial. Las dificultades de la mujer, a nivel global, para ser considerada un sujeto de derecho, en condiciones de igualdad con el hombre en todos los ámbitos… Todas ellas son realidades permanentes que ponen de manifiesto, hoy más que nunca, que el capitalismo globalizado no tiene ningún interés en defender ni potenciar valores que conduzcan a la construcción de una sociedad sostenible, equilibrada, más igualitaria y sabia.

El arte es uno de esos espacios críticos, que permiten a los artistas colarse por los intersticios y mostrar esas fisuras, esas realidades que se nos ocultan; mostrar esos intereses que conectan con los lugares comunes, con los valores que, de verdad importan a todos los seres humanos, con independencia de la raza que tengan, el lugar donde vivan o el nivel de riqueza que posean; porque a fin de cuentas, a todos nos iguala el destino común a que estamos abocados, la muerte.

Desde esta posición crítica y política destacaremos en la sección, Arte y Política, las mujeres que han hecho de su práctica artística un lugar de reflexión sobre esos temas; unas veces de forma directa y desde una posición claramente beligerante y otras, de manera más sutil e indirecta.

Asunción de Álvaro Benito

Arte: Diccionario Ilustrado

Con esta publicación inauguramos una nueva sección de nuestro blog – Reseñas bibliográficas. Es este rincón del blog pretendemos abrir una ventana a publicaciones que, total o parcialmente, se refieren a mujeres artistas y/o a sus obras.

Trabajaremos siempre con fuentes primarias, libros o textos que personalmente hayamos leído para que el acercamiento a la fuente sea directo y el comentario proceda, sin interferencias, de nuestra propia visión de la obra.

Y ahora presentamos el primer libro del que vamos a hablar: Arte: Diccionario Ilustrado. Universidad de Vigo (España). Departamento de Escultura. 2012. (ISBN: 9788481585704848158570X).

En esta obra diversos artistas, hombres y mujeres que, a su vez, son docentes universitarios, nos ofrecen unas imágenes de alguna pieza suya, que ilustran con un texto escrito, en el que cada artista reflexiona, analiza y/o polemiza sobre el significado actual del término “arte”. En total la obra incluye noventa y un artistas en activo; treinta y dos de ellos son mujeres.

La performance y la mujer

Performance según la definición que nos da el diccionario es un espectáculo representado en directo ante un público, en el cual se agrupan diferentes tipos de representación; ya sea danza, teatro, música…Se realiza de manera espontánea y con motivos provocativos. En ella también tiene mucha relevancia el sentido de la estética. Esta disciplina artística tomó relevancia en Estados Unidos en la época de 1960 y 1970.

Este término que significa arte en vivo se ha difundido en las artes plásticas, a su vez está ligado al happening, fluxus, body art y al arte conceptual en general. Lo que define a este tipo de arte es que está constituido por las acciones de un individuo o de un grupo en un lugar y un periodo de tiempo determinados. Puede realizarse en cualquier lugar y en cualquier momento.

Esta acción artística contiene cuatro elementos básicos: El tiempo, el espacio, el cuerpo del artista y la relación que exista entre este y el público. Dado que es un arte basado en lo efímero del momento se ayuda de diferentes soportes visuales, como la fotografía o el vídeo para ser registrado.

Vera Mújina y el arte monumetal soviético

Muy pocas son las esculturas tan potentes y emblemáticas que llegan a representar todo un país, toda una nación. La estatua de la Libertad en los Estados Unidos, El Cristo Redentor de Brasil…en la Rusia Soviética la escultura de Vera Mújina «El obrero y la koljosiana» se ha convertido en tal símbolo. La vida de esta obra, igual que la vida de su creadora, no ha sido fácil, debido a la ambigüedad de la época en la que vivió y trabajó Vera Mújina. Su magnífica obra se convirtió en el símbolo de esta época difícil, y la autora misma en el símbolo de fuerza interior, de lucha y superación personal de la mujer rusa.

Vera Mújina nació en 1889 en Letonia en una familia adinerada. Su madre falleció por causa de tuberculosis cuando la niña tenía 2 años. Preocupado por la salud de la niña, su padre llevó a Vera a Ucrania. Allí Mújina creció y recibió sus primeras clases de dibujo y pintura. Siendo todavía muy joven, Vera perdió también a su padre.
Por su iniciativa propia, la joven artista consiguió trasladarse a París donde recibió clases del reconocido escultor francés Emile Bourdelle (discípulo de Rodin). De él aprendió Mújina el gusto por el arte monumental.